公元十四世紀，處於萌芽狀態的歐洲資本主義生產方式在義大利地中海沿岸的一些城市出現了，新興的資產階級開始登上了歷史舞台。他們和人民大眾在一起，展開了政治，文化上的反封建的鬥爭，歐洲歷史上就出現了稱之為文藝復興的文化運動。
復興即“再生”的意思，文藝復興目的稱號在於恢復古希臘古羅馬的文化藝術。但其實質是資產階級要建立新的上層建築，為了借用前人文藝這個武器來掃清前進道路上的障礙。在美術上，當時的“復興”指的是兩個方面。一是人性的復興，此前的美術家無法表現自己的藝術追求，只能千篇一律地表現神——基督和他的門徒。世間的人是匍匐於神腳下的芸芸眾生，在美術中得不到應有的位置。文藝復興時期的美術家意識到人的尊嚴，敢於面向活躍的現實社會，敢於描繪生活中的人和事，使美術的內容有了巨大的變化。二是古典藝術的復興。義大利的故地是古代羅馬，它遍地有古希臘古羅馬的藝術遺蹟。經千年沉睡之後，許多遺蹟被發現。在藝術家面前煥發出嶄新的光輝。於是，美術造型有了楷模，要重歸，“復興”古典藝術的風格。
“文藝復興”是古希臘之後人類從未經歷過的最偉大的進步的變革。在這一變革中，出現了不少偉大的人物，最有代表性的“三傑”是達.芬奇、米開朗基羅、拉斐爾。他們的出現，集中體現了歐洲文藝復興時期美術的高度成就及其重要特徵。
達·芬奇
萊奧納多·達·芬奇(Leonardo Da Vinci 1452-1519)作為文藝復興時期作卓越的代表人物，他的成就和貢獻是多方面的。達文西出生在托斯卡納區佛羅倫斯附近的一個小鎮——芬奇鎮。他是一位 天才，他一面熱心於藝術創作和理論研究，他研究如何用線條與立體造型去表現形體的各種問題；另一方面他也同時研究自然科學。
達·芬奇的啟蒙教師是著名的雕塑家兼畫家委羅基奧學藝,委羅基奧是一位用數學、透視學和解剖學等套用科學的方法從事藝術探索和實踐的藝術家,對於達·芬奇的影響不僅在嚴格的繪畫寫實方面,主要還在於培養了他對科學研究的興趣。這是決定他日後成為文藝復興鼎盛時期繪畫奇才和多種科技研究家的關鍵。達·芬奇的興趣極為廣泛,除了繪畫,他研究 科學與哲學問題。他曾一個人親自解剖了三十多具屍體，具有豐富的解剖知識。
《蒙娜麗莎》描繪了一位端莊秀美的西方婦女肖像，她面龐秀麗，形象逼真，似乎是真人的存在。坦然自信的神態流露出不可捉摸的帶有神秘的微笑，呈現出一種高貴而不可侵犯的尊嚴，看的人仿佛也隨之自尊、自重起來，這是對人的一種讚頌。《蒙娜麗莎》是文藝復興時期的作品，此前是中世紀宗教統治的時代，是對人類壓抑的時代，其作品都是以神為題材的。達·芬奇的《蒙娜麗莎》一反傳統，畫的是活生生的人，以真人為表現內容，此可以領悟到其思想意義的內涵，這是代表新興資產階級打碎教會精神枷鎖的革命。
《最後的晚餐》是他接受米蘭聖馬利亞·德烈·格拉契修道院的訂件時作的。這是一個傳統的聖經題材。兩個世紀來,許多著名畫家在這一題材上嘗試過,但都存在某種不足,首先是人物缺乏心理衝突,故事的戲劇性展開不生動。而達·芬奇這幅畫,已揚棄了過去所有這一題材的表現缺點,從人物的活動、性格、情感和心理反應等特徵上,深化了故事的寓意性,通過耶穌與猶大的衝突反映出人類的正義與邪惡之間的對立。實際上它所展現的,正是當時義大利社會上凡是正直的人們,都能看到的光明與黑暗的鬥爭的縮影。坐在正中央的耶穌推開雙手,把頭垂向一邊,作無可奈何的淡漠表情,這就加強了兩邊四組人物的變化節奏感,使場面顯得更富有戲劇效果。而這十二個人,由於各自的年齡、性格和身份不同,他們的驚訝與疑慮表情也得到各自貼切的表現。人物之間互相呼應,彼此聯繫,他們的感情不是孤立的,這是大畫家達·芬奇最重要的、也是最成功的心理描寫因素。古代所謂“多樣統一”的美學原則,至達·芬奇的這幅畫上才獲得了空前有效的體現,其藝術成就也即在此。作為一位偉大的人文主義藝術家，達·芬奇的民主主義立場在義大利資產階級上升時期是堅定的。事實上也證明，他的這幅《最後的晚餐》一直在鼓舞著世界人民為反對邪惡的勢力而鬥爭。
米開朗基羅
文藝復興時期第二位大藝術家米開朗基羅,不僅是偉大的雕塑家、畫家，還是一位了不起的建築家、軍事工程師和詩人。
米開朗基羅生於1475年3月6日靠近於佛羅倫斯從小父親把他送到佛羅倫斯附近鄉間的石匠家寄養，在擊石聲中度過了童年，因此米開朗基羅開玩笑說自己的雕刻天才，就是得自於這位石匠的恩賜。後來米開朗基羅的生父因為喪妻，移居至佛羅倫斯，將米開朗基羅送進學校學習拉丁文和優美的義大利文。米氏學會了詩詞的創作，不過他在童年時期一向不愛念書，上課的時候常常偷拿速寫本畫畫，讓米氏的父親非常頭痛。所以在米氏13歲時，將他轉送至一位畫家處學畫。一年之後，跟隨一位雕刻家學習雕刻，這位雕刻家為佛羅倫斯貴族美第奇家族管理美術作品與石雕。在這裡，米氏遍覽了古代藝術珍寶，也有機會接觸到詩人和學者，由於環境的感染，他開始研讀但丁的雄偉詩篇，而柏拉圖的博大思想對他的影響尤其深遠。這使得米氏不但是一位偉大的畫家、雕刻家、建築師，也是一位詩人。
《大衛像》是米開朗基羅整個藝術中最重要的雕像之一。創作這尊雕像時,還不到30歲,但他的藝術風格已趨於成熟,他已被公認為是藝術大師了。他的雕像大部分都是表現健美人體的。這是文藝復興時期一種人文主義思想的表現特點。人們剛從黑暗的中世紀桎梏下解脫出來,充分認識到人在改造世界中的巨大力量,讚美人體的美,是對古代希臘藝術的一種“復興”,其實,它的更深刻意義在於反對宗教的虛偽,重視人及其現實的力量,這是思想解放運動在藝術上的一種反映。而米開朗基羅由於深刻感受到義大利政治的動盪,他的苦悶與精神意志往往只能在自己的雕像中得到最深刻的發揮。人體是最能表現內在力量的形式。他要賦予大理石以新的生命,必須向它灌注一種屬於人的肉體的力量,使它具有精神的象徵性。
米開朗基羅的藝術之所以叱吒風雲於16世紀,是因為他在這個以人為中心的文藝復興運動中,把人與戰士兩個概念不可分割地聯繫在一起了。他所有的偉大雕塑,其最重要的品質也在於此,即一尊雕像,也是一個建功立業的英雄豐碑。1505年,米開朗基羅被教皇請到羅馬工作。朱理二世讓米開朗基羅來設計“世界最大的”陵墓,供教皇死後享用。陵墓工程巨大,雕像頗多。藝術家把多年的抑鬱、憤懣和屈辱,全部寄托在這座陵墓的各個雕像上面。其中最有代表性的陵前雕塑,即是《垂死的奴隸》與《被縛的奴隸》這兩尊作於1516年的奴隸像。《垂死的奴隸》雙目緊閉,左手枕在仰起的腦後,右肘彎曲在胸前。雖在生命的最後一刻,仍然想再一次醒來與暴力與死亡搏鬥。那個《被縛的奴隸》的運動節奏就更強烈了。他的壯實的軀體呈螺旋形擰起。他力圖掙脫身上的繩索,這種動勢的轉折,體現了巨大的內在激情。似乎這個奴隸將要迸發一股無比強大的反抗力。面部表情顯露出堅強不屈的意志。有人稱這尊雕像是“反抗的奴隸”。在這裡,人的尊嚴得到了高度體現。藝術家以卓越的技巧使這兩塊冰冷的石頭產生出生命的活力。這種優美的造型感受,正是米開朗基羅所期望達到的效果。
羅馬西斯廷小教堂內的天頂畫,是米開朗基羅的繪畫藝術豐碑,。西斯廷天頂畫以聖經《創世記》為主線,繪畫總面積接近600平方米,人物有幾百個。在拱頂上按照它的長矩形(全長40米,寬14米),在中央分割成九個畫面,分別描繪《神分光暗》、《創造日月與動植物》、《創造水和大地》、《創造亞當》、《創造夏娃》、《原罪·逐出樂園》、《挪亞祭獻》、《洪水》、《挪亞醉酒》等九個主題。象這樣大規模的壁畫,如此壯觀的天頂畫,畫得又那樣精確、和諧,多彩多姿,並且是出自畫家米開朗基羅的一人手筆,這在16世紀以前是不能想像的,它所存在的精神價值在整個藝術史上也是不可估量的。當拉斐爾看了這幅巨大的天頂畫之後,不禁感慨地說:“米開朗基羅是用上帝一樣傑出的天賦創造這個藝術世界的!”
米開朗基羅創作之始，因為天縱才氣，常常遭人眼紅；在他年輕時，因遭人嫉妒而被打壞了鼻子，使得他終身對自己的容貌自卑。26歲時在佛羅倫斯完成舉世聞名的“大衛”雕像；30歲時因為盛名遠播，傳到了羅馬教廷的教皇耳中，教皇立刻邀請米氏前來羅馬建造陵墓。米氏也深知這是一次絕佳的機會，開始為教廷工作。這一做就做了整個下半輩子；在當時一切教廷至上的時代，這是無上光榮的工作。他在羅馬陸續完成許多世界聞名的傑作，諸如現今珍藏於梵蒂岡博物館的聖西斯廷大教堂的濕壁畫、勞孔像、慈母哀子像、摩西像、聖彼得大教堂，以及卡波多立廣場等等，都是遊客前往羅馬時的必游之地。
米開朗基羅的創造力與活力驚人，直到去世之際仍堅守創作崗位，享年89歲。米開朗基羅終其一生給人的印象，可以用“悲壯”兩個字來形容。雖與達·芬奇和拉斐爾身處於同一個時代，但境遇卻大不相同。米開朗基羅的悲壯是屬於天才的，含有戲劇性的英雄式悲壯。構成米開朗基羅的悲壯生涯，雖有其時代的因素，但主要原因還是在於他因天才而產生的自負。米氏個性高傲倔強，不阿諛奉承，深具藝術家氣質。
拉斐爾
拉斐爾:(1483-1520)義大利文藝復興時期最偉大的畫家之一；由於高超的藝術造詣而被神化了的拉斐爾，代表了文藝復興時期藝術家從事理想美的事業所能達到的最高峰。
拉斐爾父親是宮廷的二級 畫師.他從小隨父學畫,七歲喪母,十一歲喪父,進畫家畫室當助手.學習了十五世 紀佛羅倫斯藝術家的作品,走上了獨創的道路.從二十二歲到二十五歲創作了大量 聖母像,從此聲名大揚.他沒有達.芬奇那樣經驗豐富博學深思,也沒有米開朗基羅 的雄強偉健的英雄氣概.可是他雖然只活了三十七歲,卻成為文藝復興盛期最紅的 畫家.他的風格代表了當時人們最崇尚的審美趣味.他是個絕頂聰明的人,他的聰 明特別表現在善於汲取他人之長,而後加以綜合的創造.他一生創作了不少作品, 其中<<大公的聖母>>和<<教皇利奧十世>>等,還作了一些建築設計,並為西斯廷小 教堂設計畫稿.他的才能又表現在他創造出最合乎當時人們的口味的形象.風格被 特稱為一種"秀美"的風格,不僅使當時人傾倒,並且延續了四百年之久,成為後世 古典主義者認為不可企及的典範.
拉斐爾的一生雖然像莫扎特那樣短促（兩人的生平有許多相似之處），可是有關他的傳說及提供的範例卻是非常之多。這些傳說和範例一方面肯定了這位畫家無可爭辨的才華，另一方面卻也可能阻礙了對這位畫家的了解。一提起拉斐爾其人，提起拉斐爾的藝術風格，總離不開“超凡入聖”、“盡善盡美”這些始於瓦薩里的形容詞，這使廣大公眾對拉斐爾（世界藝術史上最偉大的畫家之一）的作品無法深刻領會並與之溝通，無法立即把拉斐爾的作品與那些總想用“天才”、“天才表現”等詞句來標榜的蹩腳作品分開，從而在他的作品中體味生命的苦悶、浪漫的熱情及感情的折磨。
拉斐爾的作品充分體現了安寧、和諧、協調、對稱以及完美和恬靜的秩序——從這個意義上說，他的作品確實可被稱為“人文主義及文藝復興世界的頂峰”。人們往往忘記或忽略的是這樣一種情況：拉斐爾是在歷史的中心、在一系列重大事件及某種只持續了很短時間的思想風潮上攀登了頂峰，這個奇蹟的創造者是一個年輕人，而這個年輕人以偏巧不得於兩位最偉大的巨匠——達·芬奇和米開朗基羅相較量，三人生活的年代前後差不了多少年。拉斐爾找到了“第三條路”，就是對他那個年代所有藝術成就的綜合與超越。這正是拉斐爾的光榮及歷史作用，那是他憑藉藝術與思想、努力與理性，通過堅持不懈的檢試、體驗與思考而獲得的。他的成功歸因於他那非凡的才能：把來自藝術的那一崇高的革命性時代（15世紀末至16世紀初）的任何一種激勵和啟示加以提煉和消化。這表明了他的巨大智慧和高超的造諧。這種能力確實異乎尋常。
